Le  pagine riguardanti la discografia sono state scritte con un giudizio basato sul letterale consumo nell' ascoltare i loro LP dal lontano 1973, data d' acquisto del mio primo disco. Nell' esprimere il mio modesto pensiero ho cercato, e spero di esserci riuscito, di non farmi intaccare dalla mia grande passione che mi ha portato ad essere un modesto collezionista e un loro "vecchio"  fan.

Dopo la perdita di Barrett, e la conquista della nona posizione nelle classifiche inglesi di "A Saucerful Of Secrets", i Pink Floyd erano impegnati in una faticosa ricerca di una direzione musicale, erano ansiosi di esplorare qualunque strada fosse potenzialmente in grado di fornire loro un impulso di cambiamento. Consapevoli di questo strano stato di rock band, accettarono volentieri l' offerta fatta loro dal regista Barbet Schroeder di incidere la colonna sonora del suo film-hippie, intitolato "More".
L' lp fu pubblicato nel luglio 1969 e vanta un curioso primato: è il disco che in termini temporali, ha impegnato di meno la band, una settimana circa per realizzarlo, e per questo motivo fu giudicato, dagli stessi Floyd, pieno di difetti. La velocità di realizzazione è stata, come era successo per il disco precedente, dal ripescaggio di materiale risalente ai primissimi Pink, Barrett compreso, che eseguivano ancor prima di esordire. Questo flash back, se da un lato non stuzzica troppo la fantasia, dall' altra parte inietta una dose di salutare semplicità, e di una ulteriore purezza sonora. Se prestiamo attenzione a questa semplicità sembra volutamente disarmante, quasi uno schema sonoro. "More" lo si può considerare una prova generale delle loro capacità di poter trarre da pochi e precisi suoni, sensazioni e ansie, quelle stesse che i dischi a venire susciteranno con maggiore efficacia. Da un punto di vista lirico, l' lp si rivelò un' importante passo in avanti verso un nuovo sound per gli anni '70. "More" fornì, come era successo per il disco precedente, due brani che divennero veri e propri cavalli di battaglia nei loro concerti: "Green Is The Colour" e "Cymbaline", che eseguirono nei tre anni a seguire. Grazie a questo disco, la fama del gruppo si apre dall' Inghilterra al resto del vecchio continente.
 

Questo doppio lp è costituito per metà da registrazioni dal vivo, eseguite in Inghilterra, dalla band al completo e per metà da esperimenti in studio di ognuno dei singoli componenti, e venne concepito dal gruppo allo scopo di chiudere una fase della carriera ed aprirne un' altra. "Ummagumma", parola che nello "slang" scolastico di Cambridge è sinonimo di "scopare" fu scelta perché suonava bene da cantare in coro, fu pubblicato il 25 ottobre 1969 e occupò il 5° posto nella classifica in UK e la 74° posizione negli USA, e fu il loro primo lp ad entrare in classifica in questo paese. Da "Ummagumma" saltano fuori due immagini, una compatta, aggressive incisiva per il primo disco, ed una rarefatta, ermetica, aerea spesso permeata dall' intelligente abilità strumentale dei singoli componenti, nel secondo. Non c'è voglia di strafare, ma il risultato è una pietra miliare che è utile, non solo per capire il periodo più avventuroso, ma anche per affermare l' intera evoluzione di una musica e dei suoi musicisti in bilico tra una soluzione più immediata, sanguigna e forse più vera, e uno studio complesso e affascinante che si allontana in maniera pericolosa dai motivi e dalle radici di quella musica stessa. L' lp è un manifesto, un perno in cui si incastrano i Pink Floyd di ieri e quelli di domani, anche se conserva, soprattutto nella parte in studio, un' unicità quasi assoluta rispetto al resto della produzione dei quattro. Oltre ai brani che provengono dal primo e secondo lp, eseguiti superbamente in versione "live", il secondo supporto racchiude due vere perle musicali: "Grantchester Meadows" (scritta e eseguita da Waters); "The Narrow Way" (composta ed eseguita da Gilmour).
Tecnicamente "Ummagumma" presenta i motivi ispiratori della futura musica floydiana: Waters che ormai è il cervello della band, e Gilmour che strumentalmente parlando è il fiore all' occhiello. Waters la mente, e Gilmour il tocco, insomma, anche se questa condizione porterà a futuri litigi tra i due.

Questo album lo si può presentare senza un concetto di base, e senza un punto focale ben localizzato. Per certi versi lo si può considerare una raccolta di varie idee sparse in cerca di una direzione, con un lavoro di una certa coesione. L' lp riuscì a stabilire la nuova immagine della band per gli anni '70. Per la sua realizzazione i Pink Floyd lavorarono cinque mesi in sala di registrazione, prima che il 10 ottobre 1970 "Atom Heart Mother" iniziò la scalata delle classifiche di mezzo mondo, prima posizione in UK e cinquatacinquesima negli USA. Per la registrazione del brano "Atom Heart Mother" furono impegnati, oltre al gruppo, un centinaio di persone tra orchestrali e coristi, ma i problemi più grossi sorsero nella fase degli arrangiamenti, che erano stati affidati a Wright. In aiuto del tastierista fu convocato il compositore sperimentale scozzese Ron Geesin (che aveva già collaborato con Waters nell' lp "The Body"), al quale per l' originalità negli arrangiamenti, si può attribuire la paternità dell' immane lavoro. Il risultato fu la prima opera rock assimilabile nelle forme ad altri stili musicali dei più blasonati, questo grazie all' abilità di Wright nel muovere masse sonore dandone una precisa costruzione musicale. Con gli interventi elettrici, gli spazi orchestrali e le radure corali, perfetti come pezzi di un puzzle, permettono lo svolgimento di una dinamica interiore assai suadente e ben più trascinante di quanto il ritmo e la mollezza apparente della suite lasci trasparire.
L' immagine totale dell' opera riappare precisa e improvvisa, con molta sostanza sonora, verso la fine della seconda facciata dove, dopo una serie di brani limitati ma non meno efficaci (da segnalare "If"), si va ad ascoltare "Alan's Psychedelic Breakfast", un viaggio musicale tra il friggere delle uova e il tintinnare delle tazzine all' ora di colazione (registrate a casa di Alan Stiles, fidato "roadie" del gruppo). Una piccola curiosità, la mucca fotografata sulla cover dell' lp si chiama "Lulubelle III", una frisone con tanto di pedigree. Anche nell' opera più grandiosa dei Pink Floyd, con simili episodi, un pochino di umorismo non guasta.
 

Anche se molto spesso passa inosservato agli occhi di molti estimatori dei Pink Floyd, "Obscured By Clouds", rappresenta il secondo progetto di una colonna sonora di una certa importanza realizzata dalla band. Il film, intitolato "La Vallée", fu realizzato dal maturo e ossessionato regista Barbet Schroeder, che già firmò la regia del film "More", il quale lo vide impegnato in questa nuova pellicola girata nella Nuova Guinea e dedicata all' emergente cultura hippie, con le sue aspirazioni nella ricerca della spiritualità condita con l' uso della droga. La band ebbe da dire con il regista per la sua supervisione musicale in "More", che non fu apprezzata perché tagliò e sfumò i brani in varie scene del film. Per questa nuova colonna sonora, i rapporti tra il gruppo e il regista erano particolarmente diversi: i Pink Floyd erano più maturi e fiduciosi nei propri mezzi, e in grado di dettare le regole in modo e in misura molto maggiore della volta precedente, questo grazie alle esperienze e alla popolarità raggiunta con la pubblicazione di "Atom Heart Mother" e di "Meddle", che li fortificarono caratterialmente e musicalmente. L' album fu pubblicato il 3 giugno 1972, periodo interessante nell' evoluzione della band perché iniziava a "bollire in pentola" il progetto dell' lp più famoso: "The Dark Side Of The Moon", e occupò la quarantaseiesima posizione nella classifica americana, mentre fu prudentemente ignorato in Gran Bretagna. "Obscured By Clouds" è un tipico episodio incolore, la classica forzatura. L' lp riassume un assortimento di episodi musicali grigi, limitati e venati dal dubbio e dalla svogliatezza di chi opera su commissione. Difatti, nei circa tre mesi che servirono per la sua realizzazione, i Floyd ne approffitarono per trascorrere una specie di vacanza in studio di registrazione, dove liberarono la loro fantasia e si lasciarono andare divertendosi con la nuova tecnologia messa a loro disposizione per incidere il disco. "Obscured By Clouds" contiene un' insolita immagine musicale floydiana, con alcuni brani che sono pericolosamente orientati verso la direzione del glam-rock, che in quel periodo era in auge in Inghilterra.
 

Dopo l' enorme e inaspettato successo ottenuto con l' lp "The Dark Side Of The Moon", il 15 settembre '75 venne pubblicato l' album "Wish You Were Here" che occupò le prime posizioni nelle classifiche inglesi e americane. Le session di registrazione si protrassero per nove mesi, intervallate da massacranti tour negli Stati Uniti, e da problemi personali e creativi che colpirono i singoli elementi della formazione. Costruire un album che seguisse "Dark Side" era un lavoro problematico e alla fine l' opera precedente, oltre che essere un assillo, divenne una sorta di guida da seguire. Tra le righe e le note di questo nuovo lavoro, c'è anche un tentativo di tornare alle prime cose, o meglio, ai primitivi spiriti. Personalmente giudico questo lp un buon lavoro, piacevole e lineare, però lo considero diverso dalle proposte fatte dai Pink Floyd di un tempo, neanche troppo lontano. Sul finire degli anni '70, con l' esplosione della bomba Pink Floyd, è da sottolineare il mutato atteggiamento del gruppo nei confronti dell' avanguardia sperimentale, del culto della pazzia e della distruzione del suono. Quest' opera è, idealmente, dedicata a Syd Barrett, la cui assenza da luogo ad una costruzione di brani meno contorti e cerebrali, più immediati e privi della forza furiosa delle prime proposte. L' lp è, quasi totalmente, occupato dalla suite "Shine On You Crazy Dimond", la cui atmosfera crea situazioni di completo relax. Tra le due parti che compongono la suite sono racchiuse canzoni come la sconcertante "Welcome To The Machine", la rockeggiante "Have A Cigar" (cantata da Roy Harper, amico di Gilmour) e la nostalgica e famosa "Wish You Were Here". L' immagine complessiva che crea questo lp è la presenza di Syd Barrett nel organico mentale dei Pink Floyd che, ironia della sorte, si presentò volontariamente negli studi di Abbey Road durante il mixaggio finale del disco, completamente trasformato e irriconoscibile anche a Waters e compagni.
 

In un' epoca in cui il mondo del rock, perlomeno in Inghilterra, era preso dai primi riflessivi sussulti di un' evoluzione musicale su larga scala, il movimento "Punk", i Pink Floyd entrarono, a detta di molti, in un periodo più introspettivo e meno creativo. In questo panorama musicale e psicologico del gruppo, il 23 gennaio '77 venne pubblicato l' lp "Animals". Il disco fu registrato a cavallo tra il marzo e dicembre '76, e conteneva due brani che erano stati scartati dall' lp "Wish You Were Here" e, poi, successivamente eseguiti nei loro concerti tre il 1975 e il 1976. L' album, occupò la seconda posizione nella classifica inglese e la terza in quella americana. Waters prese spunto dalla frase: "Tutti gli animali sono uguali, ma ce ne sono alcuni che sono più eguali degli altri", tratta dal libro "La Fattoria Degli Animali" di G. Orwell, per creare la cornice tematica per questo nuovo lavoro. In "Animals" la musica crea l' impressione di essere quasi stanca di parlare al cervello, di voler costruire immagini, e l' album è il primo nella storia del gruppo che ha uno sviluppo in senso orizzontale. L' lp contiene anche un passivo dialogo le cui radici rinnegano, o emarginano, la costruzione logica. I problemi non sono solo di natura creativa: è la necessità di potersi esprimere attraverso il mezzo vocale, quella che più preme e preoccupa la band. In "Wish You Were Here" si era ricorso ad un amico per una parte vocale (Roy Harper in "Have A Cigar") ma, in "Animals", tutto il peso grava sulle corde vocali di Waters il quale, gradino dopo gradino, si è ormai insediato sulla poltrona di regia del gruppo orchestrando brani come: "Dogs", "Pigs", Sheep" e "Pigs On The Wing", che è messa a siglare l' apertura e la chiusura del racconto Orwelliano scritto da Waters. Così, anche se l' album e i suoi maiali vaganti, complice anche un' accurata campagna pubblicitaria e una tournée particolarmente suggestiva, trionfano tra i nuovi fans del gruppo, la rifondazione di uno stile si pone, ormai, come necessità, ma stiamo tranquilli, per i Pink Floyd nulla è impossibile.
 

Dopo l' imponente "In The Flesh Tour" del 1977, ricco di eventi, il gruppo si frammentò. Waters, ormai a capo della band, si ritirò nella propria abitazione a Islington e iniziò a lavorare a due cicli di canzoni, mentre Gilmour e Wright si dedicarono ai propri progetti solisti. Nel luglio '78, Waters convocò gli altri componenti per esaminare i suoi due progetti musicali, dopo innumerevoli discussioni e litigi (Wright fu allontanato dal gruppo e pagato come un comune session-man), tra l' aprile e novembre 1979 si riunirono per registrare il nuovo lp intitolato "The Wall". L' album fu pubblicato il 30 novembre 1979 e occupò la terza posizione nella classifica in UK e la prima negli USA. Il disco è frutto di uno studio molto profondo: lo si rileva dai particolari perfetti, dalle sfumature sonore e dalla precisione creativa e lo schema di questo di questo album, è quello di un "concept" che ruota intorno ad una parola simbolica il muro dell' incomunicabilità. "The Wall" è un capitolo interamente nuovo nella produzione del gruppo il primo di una rifondazione che non finisce di stupire. E' il primo lp, dopo 10 anni di storia, che i Pink Floyd eseguono senza maschere e senza approssimazione, seguendo linee melodiche dolci e pervase da un' energia straripante e tutta nuova. Waters ha dato fondo ai suoi vecchi amori (Beach Boys e Beatles), per tessere un grande arazzo di voci e canti che seguono linee precise, canzoni in senso stretto che si muovono agili perforando i limiti altrove soffocanti. Correndo su un lungo e rischioso spazio di quattro facciate, i Pink Floyd costruiscono un' opera essenziale fino all' ultima nota. In tutto questo c'è un mutamento che potrebbe far discutere: i vecchi compagni di Syd Barrett rinunciano alle immagini violentatrici, ai suoni impregnati di futuro e di incognite; ma la drammaticità dell' immagine permane attraverso mezzi più consueti, più conosciuti, forse perché "Pink Floyd" è uno stile universale. Probabilmente l'estrema validità del disco è in questa rinuncia; in questo approdo ai sistemi convenzionali, nella continua capacità di trasmettere le stesse inquietudini di sempre, di rinnovare le sorprese. "The Wall" è un' opera completa, totale, nella concezione più tipica dei suoi autori: l' ultimo grande capolavoro di quattro menti chiamate Pink Floyd. Da ricordare che nel marzo 2000 la EMI ha pubblicato un doppio CD contenete la registrazione Live dell' intero concerto. Da segnalare, oltre che la bellezza della veste grafica e l' ottima qualità della registrazione, che il supporto contiene ben due brani inediti: "What Shall We Do Now" e "The Last Few Brick".
 

Terminati i mega concerti e a pubblicazione avvenuta del film "The Wall" diretto da Alan Parker, il clima in casa Pink Floyd divenne sempre più rovente, Waters diventò il dominatore assoluto nei confronti dei superstiti della formazione, Gilmour e Mason, perché Wright era già del tutto fuori dalla band, e non fu neanche chiamato in causa per il nuovo progetto discografico. Le session di registrazione per il nuovo disco iniziarono subito dopo l' uscita nelle sale cinematografiche del film "The Wall", e da luglio a dicembre '82 la band fu impegnata in studio di registrazione. In un tempo così breve, considerato gli standard abituali del gruppo, e facilitati dal materiale avanzato dal disco precedente, il 21 marzo '83 venne pubblicato "The Final Cut - A Requiem For The Post-War Dream", che occupò la prima posizione nella classifica inglese e la sesta in quella americana. L' album, a buon diritto può essere considerato un lavoro solista di Waters e rappresenta la sua opera più personale e meno accessibile. Tra i solchi è racchiusa la manifestazione definitiva dell' ossessione di Waters per la morte del padre (avvenuta nella battaglia di Anzio) a cui il disco è dedicato.
Waters si lancia in una problematica tirata contro l' inutilità della guerra. Come punto catalizzatore e creativo per questo lp, Waters si ispirò alla guerra delle Falkland, che terminò trenta giorni prima della pubblicazione del disco. Personalmente giudico questo lavoro un proseguimento del disco precedente, ma con tematiche differenti. I dodici brani che compongono l' album si collocano sul medesimo piano con una leggera preferenza, per una maggiore incisività, per quelli del lato "B": "The Fletcher Memorial Home, Southampton Dock, The Final Cut, Two Sun In The Sunset". L' unica vera novità dell' lp è il sistema di registrazione olofonico, concepito per produrre un' immagine tridimensionale del suono. Il titolo, "The Final Cut" (il taglio finale), sembra predire lo scioglimento del gruppo da parte di Waters, che avverrà, in maniera tragica, dopo pochi anni. Ironicamente concluderei con questa frase: "Un requiem per il gruppo, o quello che rimane, dei Pink Floyd".
 

Con un comunicato stampa diramato nel dicembre 1985, Waters sentenziò ufficialmente lo scioglimento dei Pink Floyd. Tra il bassista, Gilmour e Mason (Wright entrò nel progetto della rifondazione del gruppo solo nel febbraio '87 come session-man), si intraprese una lunga battaglia legale sulla paternità del nome del gruppo. Furono i tribunali inglesi a dar ragione a Gilmour per un futuro uso del marchio "Pink Floyd" che il chitarrista voleva riutilizzare. Tra il giugno '86 e la primavera '87, fu registrato il nuovo disco intitolato "A Momentary Lapse Of Reason" che venne pubblicato il 7 settembre '87, anche se la EMI aveva avanzato delle riserve e si era rifiutata di sborsare i soldi per la sua realizzazione. L' album occupò la terza posizione della classifica inglese e la sesta negli Stati Uniti. L' lp inizialmente non aveva un tema conduttore unitario, era pervaso da un' identica atmosfera, ma alla fine il tema scelto fu quello del fiume. La motivazione di questa scelta è dovuta al fatto che il disco venne registrato interamente sulla "houseboat" di Gilmuor, trasformata in studio. Esteticamente "A Momentary Lapse Of Reason" è un disco di buon livello, nel senso che le composizioni si fanno ascoltare, ma non aggiunge nulla a quanto è stato già espresso dal gruppo negli ultimi 20 anni. E' comunque innegabile che, senza Waters, Gilmour e soci sono riusciti ad incidere un disco che suona realmente floydiano e in cui si respirano le stesse atmosfere che avevano caratterizzato tante canzoni recanti la firma di Waters. Nonostante il tentativo del gruppo di riesumare un certo tipo di sound decisamente datato, che si può considerare senz' altro riuscito, appare evidente l' incapacità di Gilmour di comporre i testi, difetto confermato dallo stesso in parecchie interviste. I più significativi momenti dell' album sono: i cori femminili ad alto potenziale epidermico, le possenti batterie e le lancinanti chitarre in pieno stile Gilmouriano. Questo ritorno alla sigla "Pink Floyd" non comporta nessuna sorpresa, però conduce ad una riflessione: Gilmour e Mason non ripropongono forse i Floyd nati nelle intenzioni musicali di Waters ?
 

Come successe per "A Momentary Lapse Tour", anche questo nuovo tour mondiale (110 concerti in 77 città, per un totale di 5.300.000 spettatori) lasciò una traccia nella discografia del gruppo: un doppio album e una videocassetta. Il 6 giugno 1995 venne pubblicato "Pulse", il nuovo "live" registrato a cavallo tra il 17 agosto e il 23 ottobre '94 in diversi shows, e mi pare superfluo dire che occupò le prime posizioni nelle classifiche di mezzo mondo. L' album, registrato con il sistema "Q Sound" (una speciale tecnica usata per dare al suono la tridimensionalità), è accompagnato da uno splendido "booklet" ricco di fotografie tratte dal tour e da una confezione in cartone con un led che lampeggia al ritmo del battito cardiaco. Tra i solchi possiamo ascoltare: per la prima volta l' esecuzione integrale di "The Dark Side Of The Moon"; l' immortale "Wish You Were Here"; "Astronomy Domine" (da far venire i brividi !) e altri brani tratti dal disco precedente ed alcuni dei loro vecchi cavalli di battaglia. A parte tutto questo, il disco è un' operazione commerciale molto furba e ben riuscita, perfettamente in sintonia con la moda attuale: quella di riportare alla luce il passato, eseguire i vecchi successi, compilare tributi a questo e a quello, l' importante è non inventare nulla di nuovo. D' altronde lo stesso Gilmour l' ha confermato, i Pink Floyd non hanno più nulla da dire. Considero questo doppio album un simpatico gadget offerto al pubblico più giovane e a tutti coloro che rimangono ancora incantati dal suono e dalla magia dello stile floydiano. Il marchio "Pink Floyd" è una firma che attesta la buona qualità del prodotto, le vendite lo confermano, e fanno si che "pulsi" ancora il cuore di Mr. Pink Floyd.
 

Nel 1971 venne pubblicato l' lp "Relics" che principalmente riporta le facciate "A" o "B" dei primi "45 giri", alcuni dei quali non sono mai stati inclusi in album del gruppo e addirittura incisi ancora prima della pubblicazione del primo disco. "Relics" è un' interessante lp con canzoni molto particolari ed inedite come: "Arnold Layne" (prima incisione ufficiale dei Pink Floyd e censurato dalla BBC inglese perché il testo parlava di un travestito), "See Emily Play" e "Julia Dream", scaturite dalla genialità allucinata di Syd Barrett. Oltre ai brani sopracitati è doveroso segnalare l' inquietante "Careful With That Axe, Eugene", che fu un vero pezzo forte nei concerti "live" del gruppo e la strana e jazzata "Biding My Time" scritta da Waters ed eseguita da Gilmour in maniera molto encomiabile.

L' lp "Master Of Rock" fu pubblicato nel 1973 e contiene brani già editi sia su lp sia su "45 giri". Due di queste canzoni contenute in questo disco, eseguite dalla formazione originale, sono interessanti e degne di essere segnalate per la loro musicalità in piena era psychedelica. "Candy And A Current Bun", originariamente intitolata "Let's Roll Another One", titolo e testo che i responsabili della EMI imposero di cambiare per l' esplicito riferimento allo spinello, e la bella e multicolore "Apple And Oranges".

Nel 1981 venne pubblicato "A Collection Of Great Dance Songs", un titolo molto ironico perché i brani contenuti in questa antologia non si possono onestamente definire ballabili. Questo lp contiene canzoni già edite nei dischi ufficiali dei Pink Floyd, ad eccezione di una versione del brano "Money" appositamente remixata per questo lp.

La casa discografica americana Capitol nel 1983 pubblicò "Works", una raccolta di brani provenienti dai vari lp che contiene un brano veramente degno di essere citato, "The Embryo", una canzone che non è mai apparsa su nessun lp del gruppo e perciò sconosciuta alla grande massa di fans. Il brano, solamente riportato nella discografia pirata del gruppo, venne eseguito molte volte nei loro "live concerts". I Pink Floyd denunciarono la Capitol, non autorizzando la pubblicazione dell' antologia, perché conteneva questo brano che, secondo i gusti di Waters, che lo compose, non era degno di essere portato alla conoscenza del grande pubblico per la sua non buona musicalità.

A metà novembre del 1969 i Pink Floyd si recarono a Roma per incidere la musica per la colonna sonora del film diretto da Michelangelo Antonioni e intitolato "Zabriskie Point". Il regista fu colpito dalla loro musica e dall' lp "Ummagumma" (in modo particolare dal brano "Careful With That Axe, Eugene"), e per questo motivo Antonioni decise di contattare i Pink Floyd per il suo progetto cinematografico, mentre il montaggio finale della pellicola veniva ultimato. Il film fu prodotto da Carlo Ponti e distribuito dalla MGM ha una trama tipicamente hippy, in parte scritta dal famoso commediografo Sam Shepard e ha come protagonisti Mark Frechette e Daria Dalphin nel ruolo di due disillusi adolescenti. Lui è uno studente che rimane coinvolto in una sommossa universitaria in America e sospettato di aver ucciso un poliziotto; lei è la giovane segretaria di un magnate del mercato immobiliare che cerca di costruire una casa di riposo su un sacro terreno desertico. Mark scompare, ruba un piccolo aeroplano e fugge nel deserto. Dipingono l' aereo con colori psychedelici, poi lui torna nel luogo dove ha rubato il mezzo e viene prontamente abbattuto a colpi di arma da fuoco. Il film si conclude con la simbolica esplosione della casa del boss di Daria. Antonioni che era anche il supervisore alla produzione, decise di utilizzare solo tre degli otto brani incisi dai Pink Floyd, mentre il rimanente della colonna sonora fu occupato da canzoni di noti artisti americani. I brani scelti dal regista sono "Heart Beat, Pig Meat" che fa da sottofondo ai titoli di testa ed è un brano che oggi giorno verrebbe definito come "ambient music"; "Crumbling Land" usato per commentare il tragitto dei due protagonisti per la Valle della Morte fino a Zabriskie Point è una canzone richiesta appositamente dal regista in questo gioioso stile country; "Come In Number 51, Your Time Is Up", che accompagna le immagini dell' esplosione della casa, non è nient' altro che la versione rielaborata di "Careful With That Axe, Eugene". Durante le due settimane trascorse in studio di registrazione i Pink Floyd furono messi a disagio dalla costante presenza di Antonioni che cercava di dirigere la band come un' orchestra, suscitando un grande fastidio nei quattro musicisti. Il disco di "Zabriskie Point" venne pubblicato nel marzo del 1970, ma vorrei segnalare l' interessante pubblicazione in doppio cd nel 1997, nel quale, oltre a contenere la versione originale remasterizzata, vengono riportati alla luce quattro bellissimi e inediti brani che furono scartati da Antonioni nel 1969.
 

Nel corso del 1972 i Pink Floyd accantonarono momentaneamente la registrazione dell' lp "The Dark Side Of The Moon" per dedicarsi ad un nuovo progetto musicale.
Dopo aver composto le musiche per diverse colonne sonore su commissione, il gruppo iniziò la lavorazione ad un proprio film. La pellicola, intitolata "Pink Floyd At Pompeii", fu messa in scena nello storico anfiteatro romano e diretta dal regista Adrian Maben. La band si esibì dal "vivo" davanti ad un particolarissimo pubblico composto esclusivamente da fantasmi, da volti vecchi di duemila anni, dagli affreschi e dalle statue dell' antica città di Pompei. Oltre alle varie immagini all' interno dell' anfiteatro e ad alcune riprese effettuate alla solfatara di Pozzuoli, il regista pensò di arricchire le sequenze cinematografiche interponendo, in un secondo tempo e tra un brano e l' altro alcune riprese effettuate negli studi di Abbey Road che riprendevano il gruppo nelle esecuzioni embrionali di "On The Run", "Us And Them", "Eclipse" e "Brain Damage", brani poi inclusi nell' lp "The Dark Side Of The Moon". I Pink Floyd in questo film eseguirono alcuni classici cavalli di battaglia del loro repertorio "live": "Echoes", che in questa occasione fu eseguita in due separate parti poste ad aprire e a chiudere il film, "Careful With That Axe, Eugene", "A Saucerful Of Secrets", "One Of These Days I'm Going To Cut Into Little Pieces", "Set The Controls For The Heart The Sun", tutti brani suonati con magistrale bravura e nei quali traspare tutta la passione che fu messa dai quattro musicisti inglesi nella loro esecuzione. Una particolare attenzione va posta ai brani "Mademoiselle Nobs", versione appositamente rifatta della canzone "Seamus", dove il cane levriero di Wright è il protagonista assoluto e "Pompeii Theme" che in perfetto stile musicale "ambient" commenta i titoli sulle immagini del montaggio del palco all' interno dell' anfiteatro. Una curiosità da segnalare riguarda il nuovo effetto sonoro ottenuto suonando i timpani con i mazzuoli in "Set The Controls For The Heart The Sun". Il lungometraggio (90 min. circa) originariamente fu concepito per le televisioni dell' Europa Continentale e la sua presentazione ufficiale avvenne nel settembre del 1972 in occasione del festival del cinema di Edimburgo. "Pink Floyd At Pompeii", che assumerà per il gruppo un valore simbolico quanto segnale visivo - musicale di un' epoca, ottenne un grande successo per il perfetto sincronismo tra la musica e le immagini in perfetto stile Floydiano. Il film venne successivamente prodotto in videocassetta contenente la versione ridotta (59 min.) con la registrazione delle sole scene girate a Pompei. Solo nel 1989 fu pubblicata la videocassetta contenente la versione integrale di questo film archeo-musicale dove, in una perfetta e smagliante forma, i Pink Floyd hanno interpretato loro stessi. Da segnalare la pubblicazione del dvd che contiene bellissime immagini inedite e una nuova versione del film rivisitata dal regista Adrian Maben.
 

In un periodo molto particolare della carriera dei Pink Floyd, dovuto alle baruffe interne tra i vari componenti della band, e dopo gli spettacolari concerti "live" del "The Wall Tour", il 4 luglio 1982 all' Empire Theatre di Londra venne presentato ufficialmente il film "The Wall". La pellicola fu diretta dal famoso regista Alan Parker, le musiche e le scenografie furono curate da Waters mentre le animazioni erano state eseguite da Gerald Scarfe. Le prime bozze della sceneggiatura erano state stese da Waters e Scarfe. In un secondo tempo si unì a loro Parker, il quale inizialmente si limitò a dare dei semplici consigli, restando in seguito talmente colpito dalla trama che decise di dirigere il film. La collaborazione tra il bassista ed il regista risultò molto burrascosa, perché Parker aveva delle idee ben precise su quello che il film doveva rappresentare. Lo stesso decise che la pellicola non doveva contenere dialoghi, che nessun membro del gruppo apparisse in nessuna veste e, per evitare qualsiasi connessione tra il film e lo spettacolo "live", non furono neanche usate le famose marionette progettate da Scarfe per i concerti. Inizialmente la parte del protagonista doveva essere di Waters, perché il personaggio aveva lo stesso suo alter-ego, ma ad interpretarla fu Bob Geldof, il quale recitò la parte affidatagli con molto sentimento. Pink è un ragazzo nato durante la seconda guerra mondiale, che perde il padre nella battaglia di Anzio e, ossessionato dalla madre prima e dalla scuola poi, inizia a costruire un muro immaginario tra lui e il resto del mondo. Mattone dopo mattone il muro continua a crescere: i problemi della vita da rock star, il divorzio dalla moglie e l' uso della droga gli sconvolgono la mente, creandogli molte allucinazioni, una delle quali quella di vestire i panni di un dittatore a capo di un esercito di pulizia etnica che ha come simboli due martelli incrociati. Il film si conclude con un autoprocesso con relativa assoluzione di Pink e l' abbattimento del muro. Guardando attentamente la storia traspaiono chiaramente le ossessioni e i complessi di Waters, conditi con qualche riferimento alla stranezze di Syd Barrett. Musicalmente il film riporta tutti i brani dell' omonimo lp, però alcuni cantati da Bob Geldof, con due nuove canzoni che erano state precedentemente scartate dal disco: "What Shall We Do Now", sino ad ora solo eseguita durante i "live concerts" e il brano composto da Waters e intitolato "When The Tiger Broke Free". Il film, distribuito dalla MGM, ottenne un' enorme successo di pubblico in tutto il mondo, e anche i giudizi della critica furono quasi tutti entusiastici, anche se non mancarono le critiche per l' eccessiva violenza e crudezza in alcune scene. Prima d' ora non è mai successo che musica e follia, immaginazione, azione visiva e cartoni animati siano stati così magistralmente fusi come in questa non ortodossa e colossale opera rock.  

E' doveroso anche segnalare  la partecipazione dei Pink Floyd con il balletto.